Wie man langweilige Tänze hinter sich lässt – und ein großes Dankeschön an Steve Paxton

Ich schreibe dies am Küchentisch eines lieben Freundes im Süden Deutschlands. Ich passe hier zwei Wochen lang auf das Haus auf, ruhe mich aus, erhole mich, verarbeite, sortiere und schwelge in den vielen Erinnerungen und Eindrücken der letzten Wochen, bevor ich meine siebenwöchige Reise in die Schweiz fortsetze. Ich schätze mich glücklich, diesen Sommer eingeladen worden zu sein, nacheinander Intensivkurse beim Impulstanz Festival Wien (mittlerweile schon seit 16 Jahren in Folge…), bei den Tanztagen Tempelhof und beim Contact Festival Freiburg zu unterrichten.

Zu Beginn meiner Sommerfestival-Tour war ich zu Gast bei der Hommage von Kontaktland Hungary an Steve Paxton, wo ich Freunde und Kollegen besuchte (Künstler, die alle stark von Steve beeinflusst waren – K.J. Holmes, Andrew Harwood, Ray Chung, Eszter Gal, Eva Karczag und Kirstie Simson) und Steves Beitrag zur Tanzwelt feierte.

Ich halte es hier für wichtig, hervorzuheben, dass Steve Paxton, der als Begründer der Contact Improvisation gilt, in Wirklichkeit a) nur einer von vielen war, die an der Forschung beteiligt waren, die später als die Form der CI bekannt wurde, und b) so viel mehr war als nur CI. Er war ein fantastischer Tänzer bei der Merce Cunningham Dance Company, Mitbegründer der Kollektive Judson Dance Theater und Grand Union, die den postmodernen Tanz ins Leben riefen, ein Verfechter des Tanzens und der darstellenden Kunst mit Blinden sowie der Erfinder von „Material for the Spine“ und vieles mehr.

Wenn ich auf die Ursprünge der Contact Improvisation, die Wurzeln des postmodernen Tanzes und das politische sowie sozioökonomische Umfeld zurückblicke, in dem sie entstanden ist, denke ich über das Phänomen dieser Praxis nach, während ich CI unterrichte (oder zumindest meine Version davon). An einer Stelle während meines Kurses bei Impulstanz erinnerte ich die Teilnehmer*innen daran, dass es sich hierbei um eine offene Form handelt. Sie wurde nie kodifiziert oder zu einem Markenzeichen gemacht, weil die Gründer (neben Steve insbesondere Nancy Starks Smith, Nita Little, Curt Siddall, Danny Lepkoff, David Woodberry, Barbara Dilley, Mary Fulkerson, …) wollten, dass diese Praxis lebendig bleibt. Außerdem wollten sie nicht zur „Kontaktpolizei“ werden. Der Grund, warum ich dies meinen Teilnehmer*innen mitteile, ist, uns alle daran zu erinnern, dass wir zu jedem Zeitpunkt unserer Praxis Mitgestalter*innen dieser Form sind.

Ich muss hier einen Vorbehalt anbringen, denn ich muss sagen, dass ich es wirklich, wirklich toll finde, dass die Leute tanzen und dass so viele Menschen Zugang zu allen möglichen Tanzformen haben, wie zum Beispiel CI. Und ich ärgere mich auch wirklich, wirklich sehr, wenn ich Leute tanzen sehe (so wie ich es wahrnehme), die ständig Bewegungsmuster wiederholen, die sie entweder von ihren Lieblingslehrer*innen gelernt haben oder von denen sie glauben, dass diese „Moves“ Contact sind, oder die einfach in einen Modus des „Heben und Stützen“ verfallen.

Ich ärgere mich, weil ich fest davon überzeugt bin, dass diese Form – und mehr noch jede Tanzimprovisation – ein fortwährender Forschungsprozess ist, und das bedeutet, dass sie einen Sinn für Hinterfragung, Neugier, Sensibilität, Zuhören, Reflexion und, wenn ich das so sagen darf, Reife erfordert.

In der Praxis des Improvisationstanzes – und ich mache hier keinen Unterschied, ob es sich um Contact Improvisation, Authentic Movement, Continuum Movement, somatische Erkundungen, die zu Bewegung führen, oder irgendeine neue Form handelt, die spontan entsteht – habe ich das Gefühl, dass dies von uns eine Präsenz, eine Achtsamkeit sowie eine Aktivität von Geist und Körper erfordert, die, ehrlich gesagt, meiner Meinung nach manchmal in den zyklischen Wiederholungen von CI-Tänzen verloren geht, insbesondere bei Jams. Ich spüre, wie sich eine gewisse Trägheit und ein Mangel an Abwechslung einschleichen. Die Herausforderungen der Contact Improvisation liegen natürlich darin, dass sie körperlich so anspruchsvoll ist, dass wir wirklich viel Achtsamkeit brauchen, um dieses sphärische, riskante Unterfangen zu überstehen – und doch geht dabei irgendwie manchmal etwas verloren: Lebendigkeit, kreative Entscheidungsfreiheit, Komposition, Funke – was auch immer man nennen mag.

In meinem Einzelunterricht und in meinen langjährigen Kooperationen (in den letzten Jahren vor allem mit Alicia Grayson und Eszter Gal, davor viele Jahre lang mit Martin Keogh und auch Ray Chung) konzentriere ich mich darauf, diese bekannten Muster „aufzulösen“. Die somatischen Übungen mit Mikrobewegungen, die Arbeit an der (Neu-)Ausrichtung unseres Skeletts und das Bewusstmachen von Stützstrukturen wie Knochen, Faszien, Kuppeln/Schalen und Organen helfen dabei, innere Bezugspunkte zu schaffen, die den Solotanz unterstützen und später dazu beitragen, im Duett im somatischen Selbst geerdet zu bleiben. Eine anfängliche Verlangsamung ist hier hilfreich, um neue neuronale Bahnen zu schaffen und das Nervensystem zu regulieren.

Eine meiner Lieblingsübungen ist „80/20“. Wenn man einen Contact Improvisations-Tanz ausführt, bleiben 80 Prozent der Aufmerksamkeit bei einem selbst, und nur 20 Prozent gelten dem Kontakt mit dem Partner/der Partnerin. Eine der Teilnehmerinnen des Contact Festival Freiburg Intensive sagte mir in ihrem Feedback, dass sie anfangs keine Ahnung hatte, wie sie das umsetzen sollte, und dass sie nach den fünf Tagen durch die somatischen Übungen, die wir gemacht haben, ein viel besseres Gespür dafür entwickelt hatte, worauf sie ihren Fokus beim Tanzen richten sollte. In unserem Körper lebendig zu bleiben, erfordert Übung.

Vielleicht sitzt mein Unbehagen so tief, weil ich professionelle Tänzerin war. Als Teenagerin war ich so begeistert vom Tanz, dass er mein Leben komplett veränderte, als ich anfing, Jazz, Modern Dance und Ballett zu trainieren. Nach dem Tanzunterricht rannte ich nach Hause zu meiner Mutter und erzählte ihr jedes Detail vom Unterricht, weil ich es so sehr liebte. Und dann begann ich in Chicago professionell in einer Tanzkompanie zu arbeiten, und schnell verwandelte sich diese Leidenschaft in Frustration und Schmerz. Als professionelle Tänzerin musste ich mich von meinen Gefühlen abschotten und unter wettbewerbsorientierten und grausamen Bedingungen (sowie unter toxischer Betreuung) proben und auftreten – bis zu dem Punkt, an dem ich das, was ich am meisten liebte, nicht mehr tun wollte. Es hat viele Jahre gedauert, bis ich „meine Art des Tanzens“ gefunden habe, die ich heute als „Holistic Dance“ bezeichne, und die Praktiken von CI, Authentic Movement, Somatics und Ecosomatics haben mich und meine Arbeit auf diesem Weg geprägt.

Im Rahmen der Hommage an Steve in Ungarn fragte ich bei einer der Diskussionen diese langjährigen Praktizierenden, was sie neben Contact Improvisation noch praktizieren, und die Liste war sehr lang: Aikido, Meditation, Komposition und Ensemblespiel, Shiatsu, Ingenieurwesen, Systemtheorie, BMC, Gesang und vieles mehr. Das erinnerte mich daran, dass CI eine Praxis ist, die aus vielen anderen Praktiken hervorgegangen ist: Gymnastik, Aikido, Modern Dance und Meditation. In vielerlei Hinsicht war es also nie eine Praxis, die für sich allein stand. Ich halte dies für einen wirklich wichtigen Punkt, wenn es darum geht, uns innerhalb dieser Form sowohl körperlich als auch emotional und kreativ zu erhalten. Inspiration aus einer Vielzahl von Perspektiven einzubringen, hilft uns, sowohl körperlich als auch geistig lebendig zu bleiben, und kann verhindern, dass wir in repetitive, langweilige Muster verfallen.

Mit einer meiner liebsten Kolleginnen, Alicia Grayson (c) Mathieu Parent