Blog: Contact Improvisation - Soft Skills/ Hard Skills

Ich bin gerade dabei, mein Buch über Holistic Dance zu schreiben, und dieser Prozess hat bisher verschiedene Phasen durchlaufen, und ich gehe davon aus, dass noch weitere folgen werden. In den letzten zwei bis drei Jahren habe ich Texte gesammelt und archiviert, die ich selbst geschrieben habe und die mich inspiriert haben. Als ich 2023 das Begleitbuch zu meinem Holistic Dance-Kartenset veröffentlichte (das deutsche Kartenset erschien 2018, die englische Version 2020), spürte ich bereits, dass ich noch mehr über die Arbeit, die ich seit so vielen Jahren unterrichte, teilen und dokumentieren möchte.

Auf meiner dreimonatigen Reise durch Kanada und die USA in diesem Jahr habe ich darüber nachgedacht, wie ich mir genug Zeit zum Schreiben, Redigieren und Veröffentlichen dieses Buches nehmen kann, zumal klar ist, dass ich es im Selbstverlag herausbringen werde. Wie kann ich neben meinem ohnehin schon intensiven Unterrichtsplan und all den damit verbundenen administrativen Aufgaben die Zeit finden, um so viele Informationen zu sammeln, zu recherchieren und mich darauf zu konzentrieren? Ich habe mich gefragt: Wäre es möglich, ein Sabbatjahr zu nehmen (die Antwort lautet leider nein, aufgrund finanzieller Einschränkungen ...), oder sollte ich einen Ghostwriter engagieren (die Antwort darauf war schnell gefunden: definitiv nein), sollte ich KI bitten, das Buch zu schreiben (nein, nein und nochmals nein)?

Während ich in Indien war, erinnerte ich mich daran, was mein Freund Martin Keogh darüber gesagt hatte, wie er es geschafft hatte, während seiner langjährigen Erkrankung an chronich fatigue syndrome ein Buch zu schreiben. Er sagte: „15 Minuten am Tag reichen schon aus.“ Eines Abends (ich bin überhaupt keine Abendschreiberin) setzte ich mich hin, stoppte die Zeit und begann, 15 Minuten lang zu schreiben, was machbar war. Gar nicht so schlecht. Eigentlich sogar großartig, denn auf der Seite stand ein Absatz mehr als zuvor. Und am nächsten Tag war die Hürde zum Schreiben viel geringer, ein kurzer Absatz schien ziemlich leicht zu bewältigen zu sein. Weil ein Buch über diese erstaunlich miteinander verbundenen und verwobenen Prozesse zu schreiben, die wir Tanz nennen, kann wirklich beängstigend sein. Ich würde lieber tanzen gehen, als mich hinzusetzen und zu versuchen, Worte für all das zu finden, was in meinem Körper und Geist vor sich geht. Verstehst du? Aber ich habe auch wirklich große Lust, dieses Buch zu schreiben. Und so schreibe ich nun jeden Tag 15 Minuten, was manchmal zu 32 und manchmal zu 57 Minuten wird und dann wieder zu 15. Halleluja.

Hier ist ein Auszug aus meinem Kapitel über Contact Improvisation . Ich freue mich über Feedback und Fragen zu diesem Inhalt.

Soft Skills – Hard Skills in Contact Improvisation

Im Laufe meiner langjährigen Tätigkeit als Lehrerin für Contact Improvisation habe ich verschiedene Ansätze für den Unterricht dieser Tanzform erforscht. In den 1980er- und 1990er-Jahren studierte ich in Wien, Chicago und New York Modern Dance und das, was heute als zeitgenössischer Tanz bezeichnet wird, sowie Jazztanz und Ballett. In meinen frühen Jahren als Tänzerin beschäftigte ich mich mit dem sogenannten „Partnering“, choreografierten Hebefiguren. Als professionelle Tänzerin empfand ich den Unterschied zwischen Partnering und CI nicht als so groß, sodass ich vor über 30 Jahren ganz leicht in die Contact Improvisation „hineingerutscht“ bin.

Ich habe die Grundlagen der CI gelernt, während ich das Unterrichten erlernte, anstatt sie zuerst auf meine eigene Bewegungsentwicklung anzuwenden. Wie viele angehende CI-Lehrer begann ich damit, zunächst bestimmte Hebefiguren und Tricks zu unterrichten, und stellte dann fest, dass es sowohl für die SchülerInnen als auch für die PädagogInnen nachhaltiger ist, grundlegender anzusetzen.

Eines meiner größten Lernprivilegien war es, gemeinsam mit einigen der Meisterlehrer der Contact Improvisation zu unterrichten, nämlich Ray Chung, Eszter Gál, Alicia Grayson und Martin Keogh. Ich fühlte mich von ihnen als Lehrerin und Tänzerin sehr geschätzt und konnte mich durch den gemeinsamen Prozess in ihre pädagogischen Ansätze vertiefen. Da ich nun PädagogInnen in meinen Teachers Trainings selbst unterrichte und längere Lehrpläne entwickle, habe ich die Möglichkeit, Bewegungsprinzipien in Beziehung zueinander und als Grundlage für CI aufzubauen. Dabei kann ich wirklich die Vorteile des langsamen Aufbaus erkennen und wie er TänzerInnen ganzheitlich unterstützt.

An einem Punkt meiner Holistic Dance Teachers Training Ausbildung habe ich die Begriffe „Soft Skills“ und „Hard Skills“ gewählt (in Anlehnung an die Begriffe aus der Computerwelt). Aus meiner Sicht wird jede gute CI-LehrerIn (und das ist eine sehr gute Methode, um sie zu erkennen!) eine ganze Reihe dieser Fähigkeiten einsetzen, selbst wenn es sich um einen fortgeschrittenen, akrobatisch orientierten CI-Workshop handelt. Es ist einfach sicherer, auf diese Weise zu unterrichten.

Soft Skills sind die grundlegenden Prinzipien, die die Entwicklung des Körpers der TänzerInnen unterstützen, um in einer Contact Improvisation-Interaktion spielen zu können. Einige dieser Prinzipien sind nicht spezifisch für die Form der Contact Improvisation, sondern vielmehr wichtige Elemente jeder Bewegungspraxis wie Center, Reaching und Listening, andere sind sehr spezifisch für CI wie Weight Sharing und Leading/Following. Die Soft Skills, mit denen ich arbeite, sind von den vielen verschiedenen Ausbildungen beeinflusst, die ich in den letzten 35 Jahren absolviert habe, darunter meine professionelle Tanzausbildung, Systemische und Integrative Bewegunsglehre® (eine erweiterte Feldenkrais®-Methode), BodyMind Centering, Faszienarbeit und in den letzten Jahren Visionary Craniosacral Work®.

Was ich hingegen als „Hard Skills“ bezeichne, sind wiederholbare Bewegungsmuster, die für die Form ebenso wichtig sind. Ich finde es hilfreich, wenn TänzerInnen, nachdem sie sich mit den Grundprinzipien von CI beschäftigt haben, eine Reihe grundlegender Hard Skills geübt haben, damit ihr Körper versteht, was passieren könnte, wenn sie sich einmal im Fluss des Tanzes befinden. Das Gehirn schafft während dieser Übungen neuronale Verbindungen und erkennt die Ähnlichkeit der Bewegungen, sobald sie in der Improvisation auftreten. Die Erinnerung daran, in einer ähnlichen Situation entweder der Under- oder Over-dancer gewesen zu sein, aktiviert die neuronalen Bahnen und ruft das Gefühl „Ich habe das überstanden” hervor.

Hard Skills können darin bestehen, über den Körper einer anderen Person zu surfen, während der Under- Dancer rollt, oder das Gewicht auf eine vierbeinige Position zu verlagern und oben das Gleichgewicht zu halten, oder es kann auch bedeuten, mitten im Schritt auf eine Schulter gehoben zu werden. Was ich bei diesen spezifischen Bewegungsmustern wichtig finde, ist, dass die PädagogInnen eine nicht wertende, nicht wettbewerbsorientierte Umgebung schafft. Die meisten von uns wurden durch Schule und Erziehung darauf konditioniert, „gut in dem zu sein, was wir tun“, uns anzustrengen und etwas zu erreichen, um Anerkennung und/oder Selbstwertgefühl zu erlangen. Daher ist unsere langjährige Erfahrung mit Kritik oder Lob während des Lernens oft mit schmerzhaften und/oder traumatischen Erfahrungen in unserer Kindheit und Jugend verbunden.

Wenn PädagogInnen eine Atmosphäre schaffen, in der der Ehrgeiz, den perfekten Lift zu erreichen, im Vordergrund steht, könnte dies die Verbindung zum eigenen Selbst beinflussen und uns dadurch von unseren Tanzpartnern entfremden. Meiner Erfahrung nach kann es zu Verletzungen kommen, wenn die TeilnehmerInnen eine Grenze überschreiten, um eine bestimmte Fertigkeit zu „erreichen“, ohne zuvor ein grundlegendes Verständnis für Selbstorganisation oder die Fähigkeit, auf den Körper zu hören, erworben zu haben. Ich glaube, man kann das beim Tanzen einer Person sehen und spüren, wenn sie hauptsächlich daran interessiert ist, die „Tricks“ der Form zu üben, d. h. nur auf den Schultern des anderen zu bewegen oder die kleinere Person hochzuheben, ohne darauf zu achten, ob sie hochgehoben werden möchte. Als Lehrerin versuche ich, eine Umgebung zu schaffen, in der wir die Gegenwart des anderen wertschätzen, Mitgefühl mit uns selbst und anderen üben und beim Austausch von Feedback eine nicht wertende Sprache verwenden.

In den ersten Jahren meiner Praxis, etwa Mitte der neunziger Jahre des letzten Jahrhunderts, schien es, dass PädagogInnen, die sich auf "hard skills" konzentrierten, mehr TeilnehmerInnen in ihren Workshops hatten als diejenigen, die sich auf "soft skills" konzentrierten. Ich bin mir nicht sicher, ob dies auf die patriarchalische Konditionierung in uns zurückzuführen ist, die etwas Bestimmtes „erreichen” will, oder weil es spannender schien, sich der Akrobatik zu widmen. In den letzten 10 bis 15 Jahren, mit dem Aufkommen von interkonnektiven Zugängen durch Somatics in CI, sehe ich viel mehr PädagogInnen die sich an die Grundlagen halten und sich zuerst in die somatische Tiefe des Körpers eintauchen, bevor sie TänzerInnen beibringen, wie man fliegt (wenn überhaupt).

Insgesamt habe ich den Eindruck, dass erfahrene Contact-TänzerInnen die Grundlagen umso mehr zu schätzen wissen, je mehr Erfahrung sie haben, da diese in jeder Bewegung zum Einsatz kommen. Es ist, als würde eine Dichterin noch einmal ganz von vorne anfangen und sich erneut mit dem ABC beschäftigen, um das schönste und prägnanteste Gedicht schreiben zu können.

Photo (C) Mathieu Parent - Alicia Grayson und ich "Coming Home Through the Body" auf Rhizome Springs, Kanada